一句“音综还得是芒果”，是网友对《声生不息》最高的评价。

请记住这组图，这是《声生不息》标志性的舞台镜头，

右下角的光斑，是节目镜头设计最重要的记忆点。

在舞台一侧，设置了专门的灯光前景，在大光圈的加持下，无论是节目主持，还是舞台表演，都被这个镜头演绎得如梦如幻，仿佛回到了港乐辉煌的黄金时代。

从其他机位来看，这个镜头是周边的灯光点形成的。

舞台比《歌手》大很多，这给镜头的切换有了更多的选择。比如下图的舞台侧面纵向机位。

两个分镜之间的景别落差，也可以更大。（下图呈现的分镜头证明，效果不一定更好）

如果我们看视频的16：9的边缘就是一个画框，那么《声生不息》超过50%镜头都是充满“歌手式”美学的。

大特写里，歌手细腻的演唱，和灯光背景的配合。仿佛回到了《歌手》的时代。

中远景里，追求画面的极致审美

大远景里，舞台层次，在灯光运动中展开。

大气磅礴的景别切换，也让LIVE的层次，比歌手上了一个台阶。

舞台不仅是灯光秀，也可以是创意舞台。

在第一期里，就先后出现了依托道具的水舞台；

依托大屏幕的二次元的魔法空间；

还有传统的物理道具——一棵枯树。

这一组舞台，都是此前的《歌手》系列所没有的舞台设计，是《声生不息》的特色。

但这并不是首创，它更像是纯音乐舞台版的《披荆斩棘的哥哥》——每一场音乐表演，都不仅仅是一场纯粹的LIVE了，它更是一场秀，一场音乐大秀。

如果你要问《歌手》之后，音乐综艺应该朝哪些方向发展？《声生不息》可能给了你这些可选择的答案：

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第一，把极致LIVE，做成极致“大秀”

每一个舞台都不仅是灯光设计本身了，更是一场融合了不同光影艺术、惊喜设计的秀。

比如有的表演，地面屏幕会配合制作影像。

比如在《海阔天空》合唱时，突然插入了一段黄家驹的演唱片段。

而此时声音已经完全切换到黄家驹的声音，现场的王祖蓝明显被惊讶到。

随后镜头沿着大屏幕的方向，切换到VCR影像中。一时间，现场和屏幕前的观众，都泪奔了。

和前文罗列的诸多舞台一起，这就是《声生不息》试图在做的事情，不仅是音乐，更是用情感打动人。

男队和女队PK，观众投票，用颁奖仪式的方式投票，这在综艺节目里都不是新鲜的设计。如何让赛制不尴尬？

从第一期来看，《声生不息》在竞赛、真人秀、歌曲演绎的比例上是有所控制的：

歌曲表演是核心，竞演的意义退居其次。

在这个基础上，用香港十大金曲颁奖礼的形式，用内地和香港老百姓都有基础的揭晓方式，来负责“竞赛”的部分，让一切自然发生、水到渠成。

这并不是说所有节目都应该这样，只是说，这个赛制设计，源于现实。

第三，继续，让专业的人，做专业的事

聚集了一批参与港乐、发展港乐、热爱港乐的音乐人，而不是单纯的走通告的音乐人，甚至跨界的名人，是《声生不息》成功的另一个因素。

这，是让这台看似节奏缓慢的舞台，甚至还有社交环节的综艺节目，从头到尾都不拖沓的根本原因。